《雄狮少年》拆除神话引擎之后才可以谈国动之光

第一轮点映，《雄狮少年》收1700万，口碑完胜，征服了各种自来水吃瓜看客，票房被业内行家预计能破20亿，「国动之光」的说法再次浮现。

但影片未能征服一部分「立场鲜明」的观众，因为能让这部分人认可乃至全力拥护的国动，除了有直接表态的符号之外，还最好是来自传统文化，于是变相制造出当下最盛行的「神话引擎」（fairyengines），让一大波孙悟空、哪吒、二郎神、白蛇借尸还魂。

这些神话引擎马力十足，一方面能靠文化认同沉降到普遍用户，另一方面又能以好莱坞式视效吸引大众。说白了就是实践了「中学为体、西学为用」，然后善莫大焉，成了顶级国动的基本盘。

传统神话形象超载陈列，让现实主义几无立锥之地，如果说当下所需要的是重塑秩序的平衡，那么首要的是重塑现实世界的地平线——所以，《雄狮少年》可以说是一则革命性的文本，它才是「国动崛起」的全新起点，之前那些神话IP俱不能算，不论票房有多高。

立足现实主义、拆除神话引擎，意味着打破旧框架并引入新的框架，旧框架是传统文化，旨在导人向善（换上网红脸也依然如此）；新框架是全球性的当代文化，旨在书写人之境遇，当然它本身并不「新」，说其新是因为传统文化的顽固性太强，以至于将其拆除截断是何其之难。

这种高度个人主义的叙事，或许来自皮克斯，或许来自日本（比如《机器猫》），或者二者皆有，它的本质在于立足现实中的个体，将其还原到普世位置，以拥抱梦想的梦境装置（影片中这个装置就是狮头）进行一场心灵奇旅，目的是寻找个体那麻木的／忘却的体验，与自我达成谅解。

阿娟在高楼顶舞狮的一场之所以打动观众，在于呈现了某种层级体验，也就是在放弃的那一瞬间，这个梦境装置（狮头）对他的召唤，他操弄起狮头，从最开始的生疏蹒跚到最后的行云流水，逐渐进入了大地和鸣的鼓点节奏，摄影机围绕它做360度旋转拍摄，构成了一种绝对意义的世界运动。

这一模式，是好莱坞歌舞片中似曾相识的至高体验，如今也可以在国产片中以虚拟的方式完成。而恰恰是这一幕，构成了和影片最后一场戏之间的有机关联，也就是唯有体验到世界运动的感觉，才会有跨越擎天柱的超越行动——这既是对过往伦理的超越，也是认知上的超越。

这种超越的另一个层次是隐喻性的，也就是说如果那些明显实力更强的其他队伍是神话引擎的造物（比如说《哪吒》），那么阿娟的队伍最终获胜，就有小成本现实主义打败高成本架空大片的必然性，这在现实当中曾不止一次地发生。

两个阿娟构成了影片中的平行实境，但女阿娟很明显是一个不那么写实的线索，她身上闪现着宫崎骏式的神迹，几乎能看到命运的纹理。你可以将它理解为隐秘的时间游戏，或者处于不同性别、不同身份下的阿娟本人，但他们都明确了一件事情：无需耽于执念，更无需将舞狮当做唯一的需求。

阿娟的师父「咸鱼强」也是如此，虽然偶尔之间会被舞狮的过往情感所唤起，但他早已经接受了咸鱼的生命（这并非对周星驰咸鱼梦想的背弃，而是再次认定），舞狮对他来说仅仅是一个「分神时刻的祭仪」，即便他替代阿娟参加舞狮比赛的两场，也并未展现出舞狮层面的技艺，而是依靠日生生活的经验（知道评委啥时候看过来）以及「咸鱼脚」（这是影片中颇受诟病的设定，但实际指向的是这个人物的生命体验的综合）撑到关键时刻。

有意思的是，虽然「咸鱼强」这个名字对应着「猪肉荣」等烟火形象，但其长相塑造并不像中国人，反而像是印度人或者阿拉伯人，它的作用更像是东渡之达摩，让小小的咸鱼店别有洞天。

现实当中，最善于搬运这类人物的电影人是周星驰，《雄狮少年》对周星驰的搬运和借鉴，或许就是其观众共鸣度最高的地方。如果说前半段组建「废柴联盟」的部分堪比《少林足球》（之后也有一大波跟风作品），那么影片最后的涅槃重生就堪比《功夫》，跃向擎天柱的上行运动对应着《功夫》中如来神掌的下行运动，高空扔下来的英雄花，则对应着《功夫》里的棒棒糖。

周星驰的绝学，在于游离在现实主义和奇幻主义的边界，用一个梦境化的「伪胜利」平滑到现实中的「伪失败」（《喜剧之王》的结尾就是如此）。

《雄狮少年》的结尾复刻了这种方式，但方式并非平滑，而是以片尾字幕的中断形式——现实放到了彩蛋之中，幻想留在了正片的结尾。这在某种程度上仍然维系了两个世界的边界，只是少了反讽，多了残酷。这种残酷不但是因为题材综合了留守儿童、家庭变故、底层打工人的现实命题，也同样在于让观众以个体经验进行感知：人物和大都会的叠印、底层生活的情境、日复一日的劳动、梦想和米汤的不可兼得。

需要注意的是，和那些用来拆除神话引擎的外来框架（无论美式的还是日式的）一样，周星驰的（或者港式的）伪励志内核也是拆解传统的一种绝佳手段。他的成功来自于对传统文本的亵渎（如对《西游记》的亵渎），也来自时局，因此从一开始就具备反主流的批判性。

拆除神话引擎，除了打破神学阵列和传统文化的框架之外，还需要重建认识论，也就是说国产动画常年以来不仅将其视作「传统文化艺术」，而且还视作「低幼儿童艺术」，这中间除了剪纸和水墨的流行让「美术片」篡夺过动画片之名外，还造成了从《喜羊羊与灰太狼》到《熊出没》的低幼倾向，它的核心受众是未成年儿童，和所谓的家庭电影完全不是一个概念。

就此来说，《雄狮少年》是罕见的严肃面对成人群体的影片（之前也有《李献计历险记》之类，却是剑走偏锋不够主流），它看重故事和人物本身，也能找到合适的包装通道。或者说白了，它既证明了「中国动画是应该有剧本的」这件事，也证明了动画电影可以和最当下的流行产物（比如《乐夏》的诸多金曲）产生良好的化学反应。

事实证明，影片的高潮部分，正是九连真人的《莫欺少年穷》将观众情绪推上了巅峰。从五条人到九连真人，从舞狮文化到民俗风情，《雄狮少年》展现的是一种集合体式的岭南文化，它或许有浮光掠影之嫌，但也确实产生了沉浸式的体验。

在我看来，它追求的是情境化——在此美中不足是未使用粤语对白，但反过来也可以看做是国语文化对岭南文化的有效收编，这种收编，类似于迪士尼／梦工厂对中国文化的收编，它的前提是地域文化应该向着更大的文化界域开放：越是民族的，就越应该是世界的。观众对岭南文化的新奇感，对应着世界观众对中国文化的新奇感，这种开放的情境，反过来却会遭遇一种顽抗。

动画沦为大规模的意识形态战场，归根结底还是在于它面向未成年人，是重点保护领域。但如此的故步自封、建构等级制的神话引擎非但于事无补，或许会进一步磨灭国动的实际创造性。观众赞扬《雄狮少年》，除了因为其扎根现实的情感有效性之外，更在于它在拆除神话引擎方面呈现的有效经验，它与神话传说、架空的环境以及主流意识形态都保持了礼貌性的距离，它尊重的是制作本身的规律以及动画本身。